Картины, созданные в период с начала ХХ века и до наших дней, рассказывают историю уникальности и самобытности русской живописи двадцатого столетия.

Выставка «Русское искусство. 20 век» представляет павлодарцам работы, принадлежащие выдающимся художникам Москвы и Санкт-Петербурга из фондовой коллекции. Это символизирует две школы – и особенности можно увидеть воочию, сравнить на примере полотен в одном зале. На протяжении многих десятилетий на фоне парадности официального искусства созревали и формировались новые художественные традиции, реалистические традиции русской школы переплетались современными живописно-пластическими поисками.

Горожане получили уникальную возможность увидеть редкие полотна из сокровищницы музея. Многие из них стали одними из первых в коллекции фонда. Если говорить о времени создания павлодарского музея, то формирование коллекции как раз начиналось именно с выставки русского искусства. К 10-летию освоения целинных и залежных земель в 1965 году музею было передано 103 произведения московских художников.

По словам искусствоведов, высокий художественный уровень представленных произведений, их разнообразие и уникальность свидетельствуют о высоком профессиональном знании и художественном чутье собирателей коллекции русской живописи. Выставку открывают картины Виктора Батурина – ученика Маковского, Прянишникова, Десяткина, Сорокина, художника реалистического направления, который 10 лет жил в Павлодаре. Художник-станковист Виктор Батурин с 1919 по 1929 годы преподавал в Павлодаре в школе второй степени водников, был учителем поэта Васильева и художника Лагутина, а также был декоратором городского театра и театра рабочего клуба «Красный путь водников». Музейщики говорят, для них было важно показать академическую изящную школу русской живописи во всей ее красе. Это прекрасная возможность увидеть подлинные работы реального художника-передвижника, участника трех тех самых передвижных художественных выставок.

– Здесь есть работы павлодарского периода и более ранние, – рассказывает об уникальных полотнах искусствовед Ольга Пашко. – Цветник в Ясной Поляне – это историческая картина: Батурин был дружен с Львом Львовичем Толстым. И сегодня увидеть усадьбу Толстых в Ясной Поляне мы можем благодаря этой дружбе и тому, что позже художник жил и творил в нашем городе. Еще для нас интересна возможность показать тему охоты, которая развивалась именно художниками-передвижениями. Есть две работы, написанные в Павлодарском Прииртышье, раскрывающие эту особенность взгляда художника начала 20 века на человеческую жизнь как таковую. На этой выставке практически все работы – это рассказ о жизни, жанровые картины, повествование через портреты и пейзажи.

Специалисты утверждают: работы Виктора Павловича Батурина – украшение любой выставки. И с этим трудно не согласиться. Но помимо эстетической ценности картины имеют ценность и историческую.

– Те, кто любит стихи Павла Васильева, смогут понять, откуда у юного поэта появился такой красивый слог, – говорит Ольга Пашко. – Отец Павла Васильева был директором школы, Батурин был учителем Павла, был вхож в семью. И его образы, рассказы о том, насколько красивы заливные луга Иртыша, леса, птицы, природа в целом, – наложили отпечаток на формирование творчества поэта. Сегодня есть прекрасная возможность увидеть через века наш уездный городок в стихах Васильева и полотнах Батурина. И отметить, как перекликается эта преемственность поколений и образов родного края – уже в произведениях нашего современного художника Виктора Поликарпова.

В первом отделении выставки – еще классические произведения. Игорь Грабарь – не просто художник, представитель московской классической школы живописи, академик, народный художник СССР, участник работы обществ «Мир искусства» и «Союз русских художников». Но и основатель русской реставрационной школы. В сокровищнице коллекции нашего музея есть портреты и пейзажи Грабаря.

– Эти работы его ярко характеризуют как художника первой половине XX века, – говорит об особенностях манеры письма мастера Ольга Пашко. – Круговая композиция портрета дочери с подругой дополнена выверенным цветом, лица оттеняет глубокий богатый фон. Мы видим классическое прописание лица и рук, правильную подачу света. Здесь прекрасно все. Рядом работа начала 40-х годов – Эрнестина Долево в образе испанской махи, это реверанс в сторону женщины. Нам эти полотна интересны тем, что Грабарь – представитель именно той школы, которая впоследствии стала основной и в Казахстане. Потому что эвакуированные во время войны художники такого же уровня создали у нас ту базу, на которой выросло сегодняшнее казахстанское искусство.

В экспозиции – совершенно разнообразные работы. Например, небольшая картина классического художника-мариниста, основателя сурового стиля советской живописи Георгия Нисского. Ее стоит увидеть, чтобы понять, что о море рассказывал в живописи не только Айвазовский. Есть удивительная по проникновенности работа художника-сказочника Юрия Васнецова. Между тем, хоть и говорят, что русское искусство нельзя делить на официальное и неофициальное, но сегодня многие имена относят именно к андеграунду. Но и у этих художников русской школы ХХ века изначально была устойчивая база, учеба у мастеров высочайшего класса. А уж затем – пробы, поиски, эксперименты.

– Общества, которые организовывались в начале XX века в Москве и Петербурге, и художники, которые входили в эти общества, рассматривали жизнь иначе, – поясняет Пашко. – И представляли в своих картинах нашу жизнь по-другому. Многие из них были обвинены в формализме в искусстве. После эти ярлыки сняли, авторы были восстановлены в Союзе художников. Дело в том, что классическое искусство мы понимаем все. Но если сделать шаг в сторону, то получается что-то необычное, не всеми приветствуемое. Альтернативное искусство – это больше про процессы в обществе. И здесь важно понимать, что все представленные художники воспитывались на академических основах, получили образование в лучших учебных заведениях, академиях Сурикова и Репина. Побывали за границей, посмотрели, как работают другие. И только потом они пробуют и создают самих себя. Это очень важно в процессе созревания художника. Наша выставка помогает увидеть художника на каком-то этапе его творческого пути, его формирование. И работы представителей различных обществ, например, «Бубнового валета», мы тоже можем показать нашему зрителю.

«Арбузы и дыни» – картина Роберта Фалька, учителями которого были знаменитые художники Коровин и Серов. Через призму этого живописного произведения мы видим интересную историю формирования художника Фалька. Он часто повторял: «Живопись – это музыка цвета». И в его полотне действительно отражен особый колорит, световосприятие и цветопередача. Педагогами Роберта Фалька были приверженцы классического русского искусства. Но, как рассказывают искусствоведы, он совершенно по-другому трансформирует и воспринимает фигуры, вписанные в интерьере. Фальк подвергался критике, а в 50-х стал для многих молодых советских художников-авангардистов символом ушедшей эпохи живописи, мостом между искусством начала ХХ века и оттепелью. В Павлодаре представлены как его работы, так и работы его друзей.

На выставке «Русское искусство ХХ века» можно увидеть раннего Илью Глазунова – его «Красную площадь». Стоит изучить великолепную работу Натали Нестеровой, которая иначе воспринимает городской пейзаж: художник идет к «отрицанию» человека, и в то же время, к очеловечиванию домов и зданий.

– Мы видим не просто русское искусство, но и такую разнообразную жизнь XX века. И даже какие-то отклонения от классического стандарта – это и есть особенности нашей жизни, – говорит о представленных работах Ольга Пашко. – Без идеализирования, со множеством вариантов, где каждый художник предлагает свой взгляд. В этой выставке мы воспользовались возможностью показать, насколько разноплановое русское искусство. Какой-то одной характеристики для этого направления, и вообще для искусства, не существует. На этой экспозиции нам помогают сюжеты, раскрываемые в картинах. Мы понимаем, где это происходит, почему, к чему это привязано и что означает.

А самое главное – какие струны души затронет у каждого зрителя, чем именно отзовется в личной истории. Интересно увидеть работы семейного и творческого дуэта Ольги Булгаковой и Александра Ситникова. Эти художники сделали своеобразный синтез, сплав разных направлений. Самая знаменитая работа Ситникова семидесятых годов – «Студентки»: три женские фигуры символизирует муз – живописи архитектуры и поэзии. Между тем, в фондах музея и на выставке представлена его другая работа. Это новое, переосмысленное видение – картина «Мои музы» с похожим построением, элементами, но с использованием приемов иконописи, выделением цвета придают возвышенность и фантазийность образам.

– А масштабное полотно Юрия Кугача «Собираются на новоселье» погружает нас в простую красоту деревенской жизни, – рассказывает об экспонатах Ольга Пашко. – Гимн человеческому счастью – так характеризуют эту работу. Сам художник из деревни, и эту чистоту, реализм, искренность, мир и лад он воспевает своих полотнах. Здесь много героев, и каждый может рассказать свою историю: и о неразделенной любви, и о зарождении новой пары, и о надеждах, воспоминаниях о прошлом, и новой, счастливой жизни.

Художник монументалист Анатолий Никич-Криличевский верен себе в работе «Флора». Он показывает город, движение жизни и пробуждение природы. Монументальность здесь во всем – даже в девичьей фигуре цветочницы с рассадой в руках. Здесь плодородие земли показано так. На полотне, расположенном рядом, у Татьяны Федоровой эта тема раскрыта совсем по-другому. У персонажей картины «Лето» абсолютно реалистичные лица и руки, они, в духе прерафаэлитов, договаривают что-то, показывают, объясняют. Но отдельными героями выступают не только люди, но цветы и растения. Работы выглядят современными – на это указывают и масштаб, и костюмы. Но чистые и ясные лица – совершенно вне времени.

– Художница всегда в своих полотнах проводит какие-то параллели, – поясняет искусствовед. – Здесь мы видим женскую красоту и красоту природы. Если внимательно вглядеться в картину, то мы увидим, что на ней нет линии горизонта. И землистый по цвету фон символизирует эту самую плодородную почву, живую землю.

Выставка небольшая, но концентрированная по смыслу. Впрочем, одна из работ академика Валентина Сидорова «На теплой земле» – все же вышла из зала. Она находится в холле и входит в другую выставку, посвященную весне. Сюжет незатейлив: берег реки, старый деревенский домик, солнечная с облаками погода. На вспаханной земле бабушка с внучкой сажают в зеленые ростки.

– Это рассказ о будущем, о том, как мы сегодня сеем доброе и вечное. Стоит отметить, что весной этого года 93-летний автор произведения ушел из жизни. Но он успел узнать, что работа, которую он очень ценил и которая была ему дорога, вошла в изданный музеем трехтомник. Художник был рад, что о картине помнят, она находится в музее, ею любуются зрители, о ней пишут искусствоведы. Это важно, чтобы авторский взгляд художника разделил кто-то другой. И что поднятые им темы до сих пор актуальны, – говорит Ольга Пашко.

Работа выставки «Русское искусство ХХ века» запланирована до середины июля. Затем в музее будут экспонировать работы Жанары Сабденовой, в свое время участвовавшей в павлодарском молодежном проекте М’Арт. Сейчас у художницы проходит выставка в Алматы в выставочном зале Союза художников и галерее «Улар». Уже несколько лет Сабденова живет в Турции. Она покажет павлодарцам виды Стамбула. Также в музее сообщают, что праздничные даты – День столицы и День домбры – также будут отмечены тематическими выставками.

Ирина КОВАЛЁВА, фото автора
Источник: «Наша жизнь»